Artisti contemporanei - Antonio Mancini

(Fonte : Emporium - n� 198 - Maggio 1911)

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Un'ultima conseguenza delle premesse tecniche del Mancini, � la limitazione del suo campo visuale, che non gli permette la comprensione contemporanea di molte figure alla grandezza naturale. Egli infatti si limita quasi sempre ad una, sia intera sia a mezzo busto; e talvolta delimita anche pi� il suo soggetto. In un mezzo busto, per esempio, mette a fuoco la testa e lascia tutto il resto in quella indecisione di luce che egli ama popolare della fantasmagoria cromatica di mille oggetti diversi, perch� rendano una colorazione ricca e, per cos� dire, spumante. � come una fantastica orchestrazione policroma di accompagnamento alla scientifica verit� della voce del vero. Sono le opere che si riallacciano pi� strettamente alla tradizione del Monticelli e che qui sono rappresentate dalle illustrazioni del Ritratto del padre, del Pollivendolo, dell'Autoritratto e dell'Aurelio, e dalla tricromia, Melanconia.

L'arte del Mancini per� appare pi� grandiosa nella comprensione sintetica della figura interamente a fuoco; ma di tale forma da molto tempo egli non presentava un complesso di opere cos� vasto come quello esposto quest'anno a Roma. Sono otto tele, quasi tutte eseguite per commissione del signor Otto Messinger, che ha saputo ordinare al pittore dei soggetti molto pi� decorativi e piacevoli di quelli, che il pubblico era solito vedersi offrire da lui, e contro i quali si mostrava costantemente ostile. Se � vero che scopo supremo dell'arte � quello di esprimere quell' "individuum" che la conoscenza scientifica ha determinato pel conto suo indefinibile, nell'angolo del salone che accoglie le opere del Mancini noi ci troviamo davanti a un gruppo di individui, cos� potentemente espressi nella loro plasticit� e nella loro intensit� coloristica, da poter affermare che lo scopo dell'arte nella espressione fisica � stato raggiunto in modo che nemmeno la pittura del passato pu� presentare nulla di superiore. Una volta collocatici nel giusto punto di vista, queste sue figure femminili, sia che sognino o guardino, o sorridano, o attendano, o stiano abbigliandosi, pare realmente che occupino davanti a noi uno spazio come altrettante persone vive, mentre i due gentiluomini sembrano pesare sul pavimento su cui s'ergono statuariamente.

Ci� che per� non � universalmente riconosciuto all'arte del Mancini � la caratterizzazione psicologica, l'espressione cio� della personalit� spirituale delle sue figure. Certo esse non possono parlarci tranquillamente con linguaggio dello sguardo e delle minuzie fisionomiche, da noi troppo lontane: ma sanno chiaramente rivelarci il loro essere intimo da tutto l'atteggiamento esteriore della loro individualit� fisica, colta in un suo momento caratteristico e fuggevole. Poich� il merito insuperabile del nostro pittore � quello appunto di fissare per sempre la vivacit� della visione da lui percepita nel primo istante dell' osservazione, senza ch'essa si smorzi o affievolisca durante il lungo e faticoso lavoro di esecuzione.

Tra le varie modelle che suonano o sognano da buone borghesi, e la signorina in lilla, lieta della sua giovine anima fiorita tra le eleganze della societ�, la differenza dell'esistenza di un giorno di gala da quella dell'abitudine � d'una evidenza palese. La signorina � caratterizzata tale non solo dall'abbigliamento, ma da tutta l'attitudine del suo essere: dalla posa elegantissima e spontanea, dalla gentilissima mano trasparente che sfiora la guancia, dalla tenerezza dell'epidermide, dalla soavit� del viso, dalla delicatezza del sorriso e dello sguardo. Questo quadro � una cos� nitida biografia della vita della nostra societ� elegante, come una figura femminile del Velasquez pu� essere della rigida esistenza di corte del suo tempo.

E anche nei visi di quelle figure, che evidentemente sono semplici modelli, l'arte del Mancini arriva a delle vere e proprie definizioni di caratteri. Mentre la Sonatrice di liuto � un temperamento fisico, affogato nella dolcezza del lusso che la circonda, la Toeletta mostra la donna intenta alla venale cura della sua bellezza, il Costume roccoc� la sana spensieratezza giovanile, e L'innamorata e la Suonatrice la ingenua bont� in due momenti diversi: nell'apparizione cio� d'una gioia attesa e nella soave persistenza del ricordo di essa. In quest'ultima specialmente � un sorriso di cos� delicata penetrazione da illuminare di poesia tutta un'anima femminile.

Anche i due gentiluomini, nonostante la somiglianza delle teste, presentano due aspetti chiari e diversi: la spavalda risolutezza dell'uomo d'armi e la fredda allegria del don Giovanni.

Questi costumi maschili e femminili non hanno pretensione di ricostruzioni storiche o etnografiche, ma nella loro intensa verit� individuale assumono indubbiamente il valore di caratteri ambientati in una fastosa orchestrazione cromatica, valore anche pi� evidente nei due superbi ritratti del signor O. Messinger qui illustrati. Quello in ispecie a figura intera, ritto e rigido davanti alla portiera d'un'anticamera, nella severit� delle tinte dominanti, grigio e nero, esprime tutta la fermezza inflessibile della volont� tedesca.

Purtroppo il Mancini non pu� vantare per le sue figure una stilizzazione di eleganza mondana quale i suoi contemporanei inglesi e francesi, o il Laslo e lo Zorn; ma a nessuno io credo verrebbe in mente di fare un processo estetico al Rembrandt o a Frans Hals perch� ignoravano le raffinatezze del Van Dyck. Pu� nuocere al nostro artista presso il pubblico anche la complessit� veristica dei suoi individui, poich� in arte, come in letteratura, i caratteri sono sempre meno facili a capire e ad apprezzare che i tipi, come questi meno ancora delle macchiette.

A noi per� sembra che la complessit� individuale fisica e psichica del vero completamente resa sia sufficiente gloria ad un artista, poich� noi modestamente condividiamo l'opinione di quel grande inventore e narratore di allegorie e storie che fu Luca Giordano, il quale davanti al gruppo di ritratti del Velasquez che porta il nome di Meninas, os� proclamare che quella era "la teologia della pittura".

Leandro Ozzola

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